Descripción

Hablaremos de películas Artúricas y recorreremos esta leyenda que tanto nos ha dado en diversas vertientes, incluidas las películas. Y para ello seleccionamos tres para discutir y recorrer el mito del Rey Arturo en el cine, desde la otra perspectiva.

Selección de Películas

Arthur & Merlin: Knights of Camelot (2020) [En Páginas Corsarias… ¡Arrr!]
King Arthur: Legend of the Sword (2017) [En HBO Max]
Monty Python and the Holy Grail (1975)[En Netflix]

Notas del Episodio

Monty Python and the Holy Grail

Sketches conectados con una historia, a través de Arturo, es interesante que todas las conversaciones son peculiares.

Un punto a tratar es la interacción que tiene con los anarco-sindicalistas. ¿Que pasaría si por defecto todos supieran lo que es en verdad una democracia, una anarquía, sindicalismo? ¿Quien eligió al rey? (El absurdo de las clases sociales basadas en privilegio a través de la religión)

«Vengan a ver la violencia inherente al sistema»… ¡Gran chiste y crítica!

El enfrentamiento con el caballero negro en el puente… 😂

Sketches hilados que son sátiras de la más contaestataria estirpe.

«It’s only a model» 🤣

«And gallantly chickened out» 🤣🤣

Sir Robin
Sir Galahad
Sir Lancelot
Sir Bedevere
King Arthur

Otra secuencia que destaca y se queda en nuestras mentes para siempre es el encuentro con los caballeros que dicen «Ni».

Herbert y sus cantos interrumpidos se me hacen también muy graciosos, supongo que por qué sabemos lo que viene, pero funciona de maravilla, seguido de las indicaciones a los guardias.

La edición y el juego con la cuarta pared, así como con la audiencia es divertido, como cuando Lancelot arriba al castillo corriendo, para despues masacrar a todos los que encuentra.

La correcciones en los dialogos en el momento, son de lo mejor.

Roger the Shrubber… otro gran momento, seguido de los caballeros que hasta hace poco decían «Ni», y luego el resto de la canción de SIr Robin. Para doblarse de risa.

Y una escena que a todos los roleros educo sobre no juzgar a un libro sobre su cubierta, y el gran enemigo que enfrentan, y que el mago Tim advirtió, destruye a los caballeros, a cinco (tres).

El uso de las armas y libros sagrados, excepcional. Considerando que el juego de palabras es exquisito y totalmente enredado.

«The castle of Aargh…»

Finaliza con una carga y la policía interrumpiendo la filmación.

King Arthur: Legend of the Sword

Con ésta y Aladin, Guy Ritchie nos muesta que sabe jugar con los grandes, y puede entregar cosas que están un tanto allá afuera, pero que son historias clásicas reinterpretadas. En este caso sobre Arturo, los caballeros de la mesa redonda y Merlin.

Tiene un cast bastante distinguido, Eric Bana como Uthred Pendragon, Jude Law como Vortigern, Charlie Hunnam (SAMCRO), así como Aidan Gillen (Little Finger) y Dijimon Hounsou.

Lo que si hay que reconocer es el soundtrack es atractivo, aunque dicotómico, y el vestuario bastante llamativo, y esto le añade.

Comienza con la batalla contra una tribu con elefantes y luego la traición de Vortigern, y el escape de de Arturo.

Luego vemos el crecimiento de Arturo como un Thug de Londres, al puro estilo de Guy Ritchie, aunque en un set bastante diferente al que usualmente estamos acostumbrados a ver en sus películas. AL final de dicha secuencia vemos a un Charlie Hunam (Arturo), bastante mamado y fit, que es atormentado por los fantasmas del pasado. Y entonces regresamos al ritmo natural de la historia.

La criatura del abismo, con quien Vortigern está confabulando, añade a contar la historia como interpretación única y fidferente, distinguiendose de otras películas Artúricas.

Por supuesto no puede dejar pasar la oportunidad de poner su firma, al hacer que los dialogos de los personajes, mencionen en al gun punto la creación, de un libro (en ésta), o de una película/guión (The Gentleman), así como pequeñas secuencias entre dichos dialogos. Así como los cortes entre dicho dialogo la historia que cuentan y los cambios «en tiempo real» tras las preguntas de alguno, así como la introducción de diferentes personajes, que solo sirven para ponerle colores a lo que cuentan los personajes que interactúan y solo eso, aunque después aparecen de ser necesario.

De aquí me parece surge ésta dupla con Hunam quien en The Gentleman hace un gran trabajo.

Los piernas negras son la policia del rey, por ponerlo de una manera, usan negro. Y la mayoria de las personas usan colores opacos, que contrastan con los colores de Arturo, en colores claros.

La escena icónica es ejecuta de buena manera me parece, ya que tiene un anticlimax después de tanta generar tanta expectativa. Pero deja en claro el mensaje y permite a la historia continuar.

El antagonista intercambia palabras con Arturo, mientras vemos a los aliados de Arturo unirse. Y de ahí comienza el punto de inflección.

El monologo de Vortigern habla volúmenes sobre la naturaleza del poder y el control, así como de su intrínseca relación con el miedo. Como lo dice «cuando alguien te teme, de verdad te teme, es intoxicante». Lo cual sabemos es una característica altamente fascista y peligrosa.

La cachetada de Little Finger a Arturo es memorable. No me lo pueden negar.

Y en una serie de cortes entre la maga, el aliado del Rey Uthred, las tierrras oscuras donde Arturo enfrenta el camino del heroe y se convierte en quien debe ser, y su viaje al final de la montaña, avanzamos otro tanto la historia.

De nuevo, me agrada la re interrpretación de como llegó a ser la espada en la piedra y que en realidad, era el cuerpo de Uthred, su padre, petrificado como último acto en la tierra para proteger a su hijo, su herencia y la espada.

Y el demonio que enfrenta Uhtred, se ve genial, los efectos digitales en esa escena son bastante buenos. Inspirado en Frank Frazetta y su Death Dealer.

Y sigue contando la historia desde su particular formula, dondeuna pandilla, en éste caso Arturo y sus caballeros, discuten el plan a ejecutar, mientras vemos como se desarrollan algunos de los pasos, poniendo el preludio para llegar al climax.

¿Y como llegar al climax sin una persecución? Para Guy Ritchie, imposible, entonces una secuencia de persecuación de los piernas negras a la pandilla arturiana y con tomas muy modernas que pueden desconcertar a más de uno aocstumbrado a una cinematografía más clásica para este tipo de historias.

Y Guy save que cuando el barrio te respalda, ni un ejercito de patas negras te puede detener, entonces uno de los mejores enfrentamientos es entre el Dojo local, amigos de Arturo, sus caballeros y la maga contra sus perseguidores y es entonces que Arturo saca el fua y se conecta con la espada y cambia el rumbo de la batalla, sacando la quinta transformación de Sayan… o algo parecido, pero con Excalibur.

Algo que si me gusto es que Arturo es esta figura rebelde, y la gente comienza a enfrentarse al poder, tiránico y opresivo de Vortigern, con pintas y desobedeciendo el toque de queda. De nuevo, la naturaleza del poder queda en evidencia, al tratar de suprimir a todos aquellos que se oponen a su cruel yugo. Londinium arde mientras la pandilla escapa, preparandonos para el último acto, la caída y posterior reagrupación de los héroes.

Finalmente encuentra el propósito superior, aquél que excede los propios fienes, por los ulteriores, los del bien mayor, los del resto del mundo, el camino del heroe, restaurado cuando él esta quebrado.

Anacrónicamente entretenida podríamos llamarle, ya que el lenguaje del Londres moderno, que bien representa en sus otras películas (salvo Aladino) usa aquí también, pero no sería historicamente correcto, sin embargo cumple su función, aunque a muchos pueda irritarles. Definitivamente no es para todo público, solo para aquellos acostumbrados al trabajo de éste director.

Por supuesto no podían faltar las drogas, o el viaje iniciático, en éste caso de manos del mengurge mágico y la picadura de una serpiente que preparan a Arturo para el enfrentamiento final contra Vortigern.

Éste último sacrifica todo por poder, primero a su esposa, y luego a su hija, pues elige el camino de la maldad, del poder por el poder, y por seguir blandiendo sus privilegios en contra de toda la población.

Tras ser detrrotados una vez más, los patas negras sobrevivientes deciden dejar sus armas ante Arturo quien procede a enfrentarse a su némesis.

Destino manifiesto.

Arthur & Merlin: Knights of Camelot

La peli inicia con Arturo y Lancelot, ¿Qué nos indicará ésto?

Ya nos hizo favor de verla Bob así que no tienen que hacerlo ustedes y mejor vean las de Monty Python.

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Aquí el episodio sobre uno de los dos Terrys que dirigen el Santo Grial:

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Para el episodio 43 de Celuloide, que pueden escuchar aquí o en su plataforma de podcast preferida.

Empezamos esta travesía con el Cubo, la primera propuesta de esta seria, de 1997 que cumple con dos propósitos, por una parte proponer un nuevo escenario e incluso inaugura hasta cierto punto el género de Horror Game, que después veremos en la infame El Hoyo (aunque a mí me parece bastante buena) o la más conocida y afamada SAW, y por otra parte mantener a la audiencia en suspenso, ansiedad y reflexionando, algo que no cualquier película logra y es una hazaña en si misma, especialmente si consideramos que su presupuesto fue de CAD 365,000 (267,656 USD)

El éxito de esta cinta, me parece recae en el guion, el cual fue desarrollado por Grame Manson (Orphan Black y Snowpiercer del 2020), André Bijelic (su más reconocido trabajo es este) y Vincenzo Natali (In the Tall Grass). Este ultimo ha dirigido algunos episodios para series con estéticas muy interesantes y mundos muy ricos como American Gods, Lost in Space y Westworld.

«Desde la secuencia inicial la cinta te captura», se lee en la sinopsis de la película en IMDb, y me parece totalmente acertado, puedo recordar la primera vez que vi la película y las subsecuentes, con esa primera secuencia nos atrapa y llama a nuestra atención la trama, con tan poco. De ahí que después se utilice este tipo de aperturas para otras cintas (por ejemplo Circle de 2015).

El soundtrack así como los efectos especiales y prácticos eran bastante adecuados para la época y aunque ahora parecen old school, me parece que generan esa atmósfera de nostalgia y nos transportan a ese mundo raro y bizarro como en The Matrix, donde no sabíamos todo lo que ahora, pero estábamos llenos de curiosidad para descubrirlo.

Cube2 Hypercube

Lo que logra bien es expandir el Universo e ir más lejos sobre la teoría fantástica partiendo de principios de la física cuántica e incluso menciona y hace alusión al Tesseract, que en si mismo es un concepto interesante. Otro punto que me gusta es que las puertas fueron rediseñadas y la estética es mucho más limpia, lo cual hace que podamos sentir que en realidad este es el cubo 2, una nueva versión, si permitimos que los huecos en su teoría no nos molesten.

Al final, todo parece una simulación y eso me parece que tiene sentido y que incluso podríamos incluir en el mundo de Black Mirror y empezar a divagar en dicho mundo con total facilidad. Creo que ese fue su punto de quiebre, que no supieron como vender la ciencia ficción como tal.

Las actuaciones cumplen con su cometido aunque se sienten como de película de televisión y eso en sí, resta al concepto.

Esta entrega es dirigida por Andrzej Sekula quien es un conocido Cinematografo y Director de Fotografía cuyo trabajo va desde Reservoir Dogs y Pulp Fiction, pasando por American Psycho, hasta varias otras películas no tan afamadas, o tan buenas. Sin embargo me parece que después de la original entrega, hace un buen trabajo, con ciertas deficiencias, que me parece podrían provenir del guión (más abajo verán quien lo escribió)

Cube Zero

No es la mejor de la serie e incluso llega a ser muy mala, lo rescatable de ella es el tema de la posición de los cubos individuales en el cubo mayor, así como el uso de las letras y la inclusión de una super máquina así como el tema, digamos operativo, del gobierno de alguna nación no mencionada, pero que es evidente.

Me refiero a temas operativos, por que vemos a los ingenieros detrás de los cubos y nos dan a entender que hay varios y que son experimentos sociales sobre la gente que ha decidido entrar (¿Les recuerda alguna otra peli?)

Pero también habla sobre la configuración de las trampas y que existe una lógica detrás de ello, aunque nosotros no la sabemos. Lo que más me gusta es que podemos teorizar y vernos inmersos en ese mundo de especulaciones, física y matemática, así como paranoia y conspiraciones.

El director es también productor de Cube 2, así como de otras películas, de las cuales destaca American Psycho y es curioso que su primer filme como director sea Cube Zero, después se enfocó en películas de acción de serie B, donde colaboró con Van Dame en algunas de ellas.

Asimismo escribió el guion para Cube 2 y, por supuesto, Cube Zero, que me parece tienen varias deficiencias que son aminoradas por el director, al menos en Cube 2: Hypercube.

Como pensamientos finales, me gustaría que hubiera un remake del cubo, tomando en cuenta lo mejor de cada una de las entregas.

La estética de esta película es impresionante. Y es un trabajo metafísico, espiritual y mágico, que nos contrapone el extraordinario mundo del Dr. Parnassus contra la realidad moderna.

E igual que en otras de sus obras, la teatralidad forma parte de la historia y la narrativa.

Esa es una de las grandes incógnitas, que sólo podemos especular sobre su significado. Aunque este ejercicio en si no es nada trivial, ya que nos invita a imaginar, a reflexionar y dilucidar sobre qué hay más allá del velo.

Aquí vemos el trabajo excelente de Tom Waits quién interpreta a un diablo, que siempre está merodeando, y este papel parece caerle como anillo al dedo.

Los diálogos, así como la imagineria tiene un significado profundo y debe prestarcele particular atención. Por ejemplo cuando el diablo entra al templo mientra meditan, la flor de loto que sostiene el Dr. Parnassus sale volando, la paz se ha ido de él y de ese lugar y luego silencia a los monjes, mientras dice que todo permanece igual, descartando lo que ellos hacen.

Sin embargo la historia continúa y Parnassus sigue, por que las historias no pueden ser detenidas y una dicotomia es introducida, pues no continua su historia con el diablo y su hija se queja de ésto.

Vemos al diablo observando como rescatan a un personaje que representa al ahorcado en el tarot, que si recuerdan Parnassus lee mientras espera la siguiente función antes de ser interrumpido por su hija.

El diálogo seguido de cuando Ledger pregunta donde estamos nos demuestra justamente la importancia de considerarlo todo, geográficamente, socialmente y narrativamente, como bien menciona Percy.

El presentador es como Mercurio, mensajero de los dioses. Por eso anuncia a Parnassus. Y su casco tiene esas alas que denotan su rapidez mental.

Y descubrimos que «George» está en el periódico, primera plana, desaparecido. Y Parnassus intenta descubrir quien es con su extraño aparato, que más bien es una prueba de confianza y un intento por dejar que el deje salir una parte de sí mismo, estar al descubierto, revelando su verdadero ser.

Usualmente cuando se ven trucos de magia en una película así, es un guiño por parte del director para analizar no lo que nos distrae si no lo que hace el truco de magia interesante.

Y se revela el juego. Están intentando ganar las almas de las personas, Parnassus que es una de las caras de Dios, si lo vemos como la Kabbalah contra el diablo.

Y cuando Antón se siente amenazado por Tony, causa un desastre que pone en peligro todo lo que cree. Un dato que no hay que olvidar es que Antón y Tony son dos variaciones del mismo nombre. Dos aspectos de una persona aparentemente discutiendo que debe permanecer y que no.

Cuándo Parnassus abandono la esperanza y se avienta del risco queda colgado de un árbol, casi como Ofin, de la mitología nórdica. Y el diablo observa cada una de sus caídas y trata de tentarlo, justo como à Jesús.

La escena donde le pide consejo a su hija es adorable y habla acerca de un cambio y de llegar a las personas adecuadas. Y Antón trata de irse.

Cabe destacar que el cambio sobre ser sofisticado es simbolizado por el paraguas que Parnassus entrega a Tony y quien después de cambiar el escenario y los disfraces y el concepto, es quien dirige el show. Y ciertamente parece que la película misma cambia de dirección.

Y el ambiente de ajedrez siempre trata acerca de la dualidad y los secretos, así como la estrategia.

Podemos ver también que cada quien ve dentro del espejo lo que desea ver y cuáles son sus más profundas aspiraciones. También vemos a Johnny Depp interpretando a Tony dentro del espejo.

Y mientras bailan sus sueños se entremezclan y vemos una escena familiar, el desierto de la tentación aparece y cuando está a punto de cambiar hacia las pesadilla tan atractivas del diablo, Tony regresa a la afortunada dama al camino.

Y mientras la despoja de sus posesiones mundanas, el diablo, encarnado como una serpiente observa y un barquero la lleva a la vida más allá. Egipto es lo que nos grita esta secuencia. Y al unirse en el río Tony regresa al escenario y momentos después la fama también.

Acto seguido todas las demás damas entran al espejo y salen renacidas, riendo, liberadas. Pero la pwrtifs entre Parnassus y el diablo aún no ha terminado.

Los que saben quién es Tony, lo persiguen, forzándolo a entrar al espejo. Donde es representado por Jude Law en un ambiente verde y escaleras que representan la escalera corporativa, así como los mensajes de superación tan comunes del Coaching.

Y entonces es salvado por Antón, quien está disfrazado de mujer. ¿Recuerdan que es otro aspecto de Tony?

Tony es capturado nuevamente y hace lo que hizo anteriormente pero no lo vimos, coloca su flauta en la gargantas para protegerse de ser ahorcado. Y los mafiosos son engañados y devorados por las flamas del diablo.

Usa tu imaginación es lo que le dice Tony a Antón y quiere regresar a ese estado de dicha pura que podríamos decir que es la iluminación y quiere desesperadamente regresar a ella.

Y finalmente se revela la verdad, Tony confiesa la verdad y se sincera ante Antón, quien se compadece y empatiza. Finalmente se integran ambas personalidades aunque no del todo y no como esperamos.

Y se revela la verdad de la historia de Valentina es mostrada y todo parece perdido y roto, fracturado. Parnassus se encuentra solo. Antón busca a Valentina y encuentra la algo diferente.

Tony solicita su iniciación, lo cual es bastante adecuado considerando lo que hemos visto hasta ahora. Solo falta el ritual para que Tony se convierta en el heredero de Parnassus.

Cuándo Valentina regresa fúrica, Tony le dice que la sacara de esa oscuridad y la llevará hacia la luz y Antón lo confronta. El diálogo que sigue anuncia una verdad oscura, «nunca creas en los periódicos, en especial en el espejo» (The Mirror) y cuando pasa el espejo del imaginario, Tony es interpretado por Collin Farrel.

Todo esto es intencional, por supuesto. Y cada uno es una cara de la misma persona. Y el sueño continúa con Tony y Valentina vivir di una vida de clase alta, dirigiendo una fundación para salvar a los niños. Aunque una verdad está merodeando como el diablo, en las sombras.

Antón trata de regresar a Valentina afuera del imaginario. Y se revela la verdad enfrente de todos mientras golpea a un niño con cara de Antón. Y el sueño se vuelve pesadilla pues la mentira no puede ser sostenida ni un momento más.

La vorágine destruye todo a su paso y el simbolismo ya ni es velado si no que nos mira directo a los ojos. Y las dos puertas/espejo nos indican la elección que antes estuvo entrevelada.

El juego de espejos nos engaña, los espejos y los reflejos son engañosos, justo como los periódicos, ¿recuerdan? Y entonces Parnassus gana,pues Valentina elige el lado del bien y la carta del ahorcado (Tony) es lanzada al desierto y vemos el destino de este personaje que tocó la dicha por un instante pero dejó que su miedo lo venciera y acabó en donde nadie debería… Justo donde empezó. Haciendo el mismo truco del ahorcado mientras Parnassus hace el truco que antes haría Antón y esconde su flauta y lo presenta con su última oportunidad de salvar su alma. Parnassus se ahorca con la flauta en su garganta y al sacarla y colocarla en la suya, Tony sella su destino y está vez al caer de la siga, su vida y su alma acaban.

Valentina esta a salvo y el diablo cumple su trato.

Parnassus como Jesús reza en el desierto y se aferra a su fe. Es salvado, aunque no como uno espera. Y ve a su hija y es lo único que le interesa. En el mundo donde ha ita ahora es solo un vagabundo, ¿un guiño al Pescador de Ilusiones tal vez?

Y entonces ve que Valentina y Antón están juntos y tienen una hija. El verdadero yo se reveló pues Tony era la parte embustera de la misma persona.

Percy encuentra a Parnassus y vuelven a hacer su show, pero ahora las marionetas nos dejan pensar que ahora solo tiene su vida para apostar con el diablo y Percy le recuerda esto con el golpe del bastón.

Terry Gilliam es un maestro del engaño, y no sabemos si el final es solo la alucinación de Parnassus o un sueño y nos deja pensando constantemente en lo que acabamos de presenciar y decidir que queremos ver, ese final feliz o algo que nos elude.

Si creían que Terry no usa los símbolos del ocultismo, ni está interesado en los signos, denle una revisada a esta película.

Los hermanos Grimm, son cazadores de brujas, demonios y demás seres oscuros. Mucho antes que la serie de 2011 retomara esta premisa.

Podemos ver a Matt Damon y Heath Ledger, así como otros grandes nombres que los acompañan en esta producción.

Los hermanos llegan al pueblo alemán de Karlstadt, ocupado por los franceses. Y se enfrentan a una bruja. Podemos ver como Jake esta dibujando un pentagrama y otros símbolos en el piso con un gis, a manera de sello protector. Y después tienen que enfrentarse a la bruja, quien se convierte en serpientes.

Y descubrimos que todo es una charada, un elaborado timo para sacar dinero de la gente común, asustada de cualquier cosa. Incluso vemos la negociación con sus compinches por un «aumento de sueldo».

Pero es Terry y sabemos que hay algo más ahí. Y pronto vemos los famosos cuentos encarnados en historias macabras y escalofriantes, como el de caperucita.

El festejo es interrumpido por un momento pero luego continúa al menos por un momento. La sombra se posa sobre ellos como lo hizo ante la caperucita, pero de diferente forma.

Peter Stormare (American Gods y cientos de villanos Europeos) se encarga de hacer un papel excelso y los trae de regreso a la justicia. Vemos a Jonathan Pryce como Delatombe, general del regimiento francés en esa zona. De Pryce sabemos que ha realizado trabajos excepcionales como en Brazil y aquí no se queda corto, aunque su participación es más bien secundaria, sigue siendo contundente.

Los Grimm son coercionados a investigar las desapariciones de niños de Marbaden. El mismo poblado donde caperucita desaparece, es hogar para Hansel y Gretel, quienes desaparecen también. ¿Serán villanos como indica Delatombe o será algo distinto?

Team Grimm es uno de los chistes que son su marca personal, heredada y refinada durante sus años con Monty Python.

Y el pueblo está alborotado por la ocupación francesa, y mete varios chistes más acerca de la política y de sus personajes durante esa secuencia.

Entonces conocen a Angelika, interpretada por Lena Headey (Game of Thrones). Y la convencen para acompañarlos al bosque. Podemos ver este tema recurrente en su películas, lo medieval, lo fantástico y los jinetes.

Es interesante el trabajo de reimaginar las historia populares de los hermanos Grimm desde su visión y sirviendo a la narrativa de su cinta. Por ejemplo, vemos elementos de La Reina Grimhilde (Blancanieves) y de Rapunzel en la reina del espejo; la torre, la ventana, el espejo y el cabello. Mónica Bellucci, consagrada actriz, da vida a ésta reina hermosa pero terrible.

Cavaldi llama a los Grimm Cinderellas, en referencia a otro cuento ya conocido de los hermanos. Y quien desaparece es la última niña del pueblo, mientras dice el famoso diálogo de caperucita sobre los dientes, los ojos y lo demás.

No puedes confiar en los árboles, fue lo que dijo Angelika y aquí los árboles están tan enojados como en Fangorn (LOTR) y los Grimm tratan de razionalizarlo pero esta vez ese no es el camino, pues no es uno de sus trucos, esta vez, sucede realmente.

La música se contrapone lo que Cavaldi hace a los Grimm y a Angelika y termina siendo risible pero terrible a la vez, lo cual no cualquiera logra y la palabra que permanece en la mente es: sublime.

La confrontación entre los hermanos es más que sólo eso, es un combate de ideologías, de la realidad contra la magia y la fantasía, la razón contra la fe. Y la tensión entre Angelika y cada uno de ellos agrava esta contraposición.

El reencuentro es hermoso como mágico, justamente una reconciliación entre ellos y sus ideologías. De nuevo los símbolos predominan las escenas; una torre, tumbas marcando con vírgenes en ellas y marcando las horas del reloj y la razón y la fantasía trabajando para un bien común.

El nudo es que Latombe los arresta bajo el delito de fraude, justo cuando Will comenzó a creer y confiar en su hermano. El ataque al bosque me recuerda a Maléfica, esa misma oposición que antes fue personificada por los hermanos ahora el general atacaba bosque que también es habitado por una mujer, bruja, ¿encuentran la similitud?

La reconciliación de los hermanos no afecta a Angelika, ya que su lealtad está con la reina del espejo, quien la tiene bajo su hechizo.

Los espejos son engañosos, nos diría Terry a través de uno de sus personajes en el Imaginario del Dr. Parnassus y aquí los vemos de nuevo, en el espejo es hermosa y complaciente fuera de el es decrépita y engañosa.

Las vírgenes serán sacrificadas para la belleza de la reina, de nuevo un elemento común en los cuentos, alguien debe dar su pureza, su vida y belleza para que una reina malvada la conserve.

Will muere y es convertido a un sirviente de la reina. Rompe el espejo, rompe la maldición. Los cuervos y la torre derruida completan la escena. Y Cavaldi ayuda a los Grimm, dando el último paso.

Vemos un elemento del imaginario, no solo de los Grimm, si no de los cuentos de hadas en general: True Love.

Amor Verdadero, la más poderosa de las fuerzas, pero sólo si es honesto, completo y mutuo.

Sin embargo no todos los hechizos pueden ser rotos de la misma forma… Y finaliza con una broma que alivia nuestros corazones y dice mucho de la personalidad de cada uno de los personajes.

El cambio de color y la iluminación nos indican que todo ha acabado y este es un final feliz, bien merecido, tanto para los personajes como para la audiencia.

Dos grandes actores, Jeff Bridges y Robin Williams acompañados de Mercedes Ruehl.

La historia de una persona que vive en la calle (Parry) y tiene alucinaciones sobre un jinete terrible (el caballero rojo – The red knight) y un locutor de radio que está tratando de encontrarse a su mismo tras el suicidio de su productor.

La secuencia de la persecución es genial.

Este personaje tiene una serie de acompañantes que igual que el son todos unos personajes.

Además sale Tom Waits, que por mi parte es uno de mis músicos favoritos y gusta de salir en películas más bien bizarras. Sale en otra de las películas de las que voy hablar y también lo pueden ubicar en películas de Jim Jarmusch.

Gilliam es muy dado a hacer tomas desde ángulos raros y lo podemos ver en todas sus películas. También es capaz de envolvernos en la visión del personaje, en su mundo. Pará el vagabundo, la escena de la estación de tren nos deja ver ese mundo surreal que el vive, aunque pueda ser su esquizofrenia.

Y podemos ver la transformación de Jack (Bridges) hacia un poco del mundo de Parry, por que le salvo la vida de un par de tipos que iban a quemarlo por estar en la calle.

Su catarsis ocurre a través de ayudar a Parry a conquistar a Lidia y aunque no lo sabe también salva su relación con su novia Anne.

Y el final es un círculo completo que no esperas y te deja una sensación de desolación, justo como el personaje y no puedes si no sentir tristeza, miedo y desesperación por Parry.

Y en esa desesperación, regresamos al inicio donde se conocen Jack y Parry y una escena conocida, dos muchachos que van a quemar a un vagabundo… Solo que esta vez no hay quien los detenga, esta vez nadie acude por el.

Y terrible Gilliam contrasta con una escena que parece perfecta, de Jack y Anne disfrutando una nueva vida, él recuperando su añorado trabajo, sin embargo el realizador nos recuerda que a veces la vida no es un cuento de hadas y una pelea rompe el encanto y logramos ver por qué la actriz Mercedes Ruehl ganó el premio de la academia como mejor actriz de soporte.

Y al final nos remata con una llamada telefónica que entra como estocada directo al corazón y descubrimos el destino final de Parry mientras Jack regresa a su vida antes del in incidente con su productor, sin embargo el no es el mismo que había sido antes y sale corriendo solo para ir a aquel lugar donde encontrara a Parry en un principio y entonces encuentro su grial, que conecta con ese momento que tienen sobre el pasto de Central Park, y donde Barry le cuenta sobre la historia del Rey Pescador.

El diálogo de Jack con un Barry en cama resume la vida de Jack y lo perdido que está y la búsqueda de hacer lo correcto sin embargo la falta de valor de tomar ese paso, genera un conflicto profundo en él y podemos verlo y sentirlo con cada palabra, cada gesto y cada movimiento.

Y entonces el tambien empieza a hacer locuras, y escuchar cosas que no están ahí y ver eso otro mundo que era cotidiano de Parry y comienza a ver lo que él (Parry) veía.

Y finalmente nos da un final que es como un cataplasma y alivia todos nuestros malestares mientras vemos un escenario familiar.

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Gran película, llena de emociones como la vida misma aunque nuestra preferencia sea pasarlas de largo y no sentirlas ni reflexionar acerca de nuestra condición y nuestros verdaderos propósitos.

Life moves pretty fast. If you don’t stop and look around once in a while, you could miss it.

— Ferris Bueller’s Day Off.

Hace 8 aos se lanzo un podcast donde dos personas crearon un proyecto de radio que curiosamente hablaba acerca del cine y de ahi su nombre, celuloide.

Aun mas interesante es el hecho que ahora las historias de las que hablamos no solo son llevadas a la pantalla grande, si no a la pequena y a la portatil, si en esta epoca haremos el rewind y fast forward, en honor a las videocaseteras de los 80’s.

El rewind es por revivir el programa y el Fast Forward por que ahora el espiritu del cine se ha desarrollado y expandido. Existen videojuegos que son como peliculas, peliculas que son como videojuegos e incluso series que tratan de hacer algo intermedio. Hay muchas formas de consumir contenido audivisual y nosotros seremos sus guias exploradores que discutiremos y diseccionaremos todo este contenido para poder consumirlo en maneras entretenidas, coomo lo que fue creado, pero tambien mas significativas y que nos generen una experienca de por vida.

Para nosotros el cine es un maestro y un companero de vida y somos sus eternos discipulos y guardianes y les transmitiremos joyas que hemos encontrado a lo largo del tiempo.

Bienvenidos, tomen asiento, escuchen y luego vean algunas de nuestras recomendaciones.

Celuloide es un programa semanal que ocurre los domingos a las 15:00 horas (Horario de la Ciudad de Mexico) y pueden escucharlo en https://anchor.fm/celuloide y sera distribuido a traves de diversas plataformas como Spotify y iTunes.